Hoxe, martes, día 10 de Agosto, saíu publicado na web do Concello de Pontevedra o anuncio e bases que rexirán o CONCURSO CON INTERVENCIÓN DE JURADO PARA LA SELECCIÓN DEL ANTEPROYECTO DE REHABILITACIÓN DE ZONA DEGRADADA POR LAS TRASERAS DE LOS EDIFICIOS DE LA MANZANA 135 DE PONTEVEDRA, FRENTE AL SANTUARIO DE LA VIRGEN PEREGRINA.
O fin [...]
Buckminster Fuller posa junto a su Dymaxion Car y con su cúpula de ojo de mosca en Snow Mass (Colorado) en 1980, que desarrolló en los años treinta.- ROGER WHITE STOLLLER
El Pais - JAVIER MADERUELO 04/09/2010
Una exposición y un libro auspiciados por Norman Foster muestran la energía utópica del creador
La independencia de Estados Unidos como colonia inglesa trajo como consecuencia la necesidad de inventar un mundo nuevo en un territorio literalmente baldío y desconocido. El último de los episodios de aquella conquista lo protagonizaron dos personajes que coincidieron en diferentes ocasiones a lo largo de su vida y que se estimaron mutuamente. Me refiero a John Cage (1912-1992) y Buckminster Fuller (1895-1983), últimos descendientes de una estirpe de aventureros que tuvo que servirse del ingenio para sobrevivir a las adversidades que surgían en la ocupación de nuevos territorios. Fuller representó lo mejor del espíritu norteamericano: capacidad de innovación, sentido promocional y pragmatismo técnico.
Sin lugar a dudas, Buckminster Fuller fue todo un pionero en un siglo XX prolífico en la creación de personajes que idearon y produjeron los hechos y los inventos más increíbles e insólitos, desde teorías científicas y artilugios mecánicos hasta obras de arte que sorprendieron al mundo por lo inusitado de sus propuestas. Después de que en el siglo XIX el conocimiento se fragmentara en ciencias específicas y estas en especialidades, los sabios como Goethe dejaron de existir para dar paso a la raza de científicos y técnicos expertos en las minucias, hábiles en lo concreto, profundos en los detalles pero, por lo general, tediosamente metódicos y sin ingenio. Por eso sorprenden personajes como Buckminster Fuller que, desde una geometría pragmática, sin apoyo algebraico, ejerció de ingeniero y cartógrafo. La lista de personajes que lucharon contra las convenciones puede ser extensa, pero pocos como Bucky Fuller hicieron tabla rasa de lo que se sabía hasta entonces, sin despreciarlo, y reinventaron el mundo a la medida de sus intuiciones.
Fuller ha pasado a la historia por sus cúpulas geodésicas cuando logró aparecer retratado en la portada de la revista Time, pero, en verdad, su importancia es muy grande en la cultura estadounidense, ya que él representa la modernidad en un país profundamente conservador. Mientras que la asunción de la modernidad en Europa fue un tema de carácter filosófico y cultural, en Estados Unidos se redujo a un asunto técnico que se resolvió cuando la mecanización tomó el mando. Es aquí donde el ingenio de Fuller acierta en la diana inventando un automóvil con pretensiones de llegar a ser el supercoche anfibio del futuro o una especie de avión terrestre sin alas. Fracasado el proyecto, no se rindió y propuso construir casas de aluminio livianas que pudieran ser fácilmente transportables. De ahí pasó a idear cúpulas basadas en la indeformabilidad del tetraedro, consiguiendo sus famosos cascarones geodésicos, como el construido para la Expo 67 de Monreal, con sus 76 metros de diámetro y una altura de 61 metros. Sin contar con sus ideas sobre una “ciencia del diseño” o un nuevo sistema de proyección cartográfica que permitió una representación insólita del planeta Tierra.
La utopía de Fuller, de la que surge un auténtico raudal de propuestas e inventos, consistía en el intento de cambiar el mundo por medio de contribuciones individuales y con ello beneficiar a toda la humanidad. La filosofía intuitiva de Fuller tiene su origen en el trascendentalismo de Ralph Waldo Emerson que impregnaba la Universidad de Harvard, en la que comenzó Fuller unos estudios universitarios que abandonó pronto. Emerson había predicado una vía intuitiva, basada en la capacidad de la conciencia individual, de la que participó Fuller en todas sus empresas.
Como “científico del diseño” acuñó la fórmula “hacer más con menos”, lo que le llevó a idear formas y estructuras que redujeran costes de producción o de energía, como coches aerodinámicos o cúpulas geodésicas livianas, esto le condujo a desarrollar una serie de conceptos que expuso en gran cantidad de libros que editó y para los que ideó neologismos como “efemeralización”, “sinergia” y “tensegridad”. Por poner un ejemplo, esta última palabra surge de la contracción de los términos tensional e integrity y la utilizó para designar las estructuras cuya estabilidad depende del equilibrio que se consigue entre fuerzas de tracción y compresión cuando son puestas en tensión.
Su pensamiento trascendentalista y sus experiencias mecánicas le condujeron a ser consciente de lo limitados que son los recursos que posee la Tierra, siendo uno de los primeros que se preocupó por conseguir diseños de bajo consumo y por el empleo racional de los recursos, denunciando la dependencia del petróleo y abogando por la energía solar y eólica, cuando aún no existían posibilidades para conseguirlas, acuñando en sus escritos la imagen de la “nave espacial Tierra”.
La editorial Ivorypress presenta ahora un libro donde se muestra uno de estos inventos de Bucky Fuller, su Dymaxion Car, un automóvil que desarrolló en los años treinta, que se movía a más de cien kilómetros por hora y que era capaz de evolucionar como una bailarina. Después de haber transcurrido más de setenta años de la producción de los únicos tres prototipos de aquel invento fallido, el célebre arquitecto inglés Norman Foster, que conoció y colaboró con Fuller durante los últimos años de su vida, ha llevado a cabo, a su costa, la realización de un cuarto prototipo de aquel mítico automóvil de tres ruedas que pretendía ser una mezcla de barco, avión y coche, aunque en realidad el vehículo sólo podía rodar por una carretera provisto con el motor V8 de un Ford, pero el talante visionario de su inventor previó que aquel automóvil estaba destinado a revolucionar los medios de transporte. Precisamente fue el carácter visionario, futurista y utópico de su creador lo que ha dotado de cierta profundidad ideológica al invento, siendo hoy admirado como una auténtica obra de arte.
El empeño de Norman Foster, al realizar una réplica lo más exacta posible del tercero de los prototipos del Dymaxion Car, es también encomiable. Para ello, ha tenido que operar como un historiador sobre los documentos, los datos y las imágenes que han sobrevivido al tiempo y como un arqueólogo sobre los pecios del naufragio de aquella empresa de Fuller. El resultado es la construcción pieza a pieza de un coche, trabajando durante tres años hasta conseguir resolver todos los enigmas sobre sus mecanismos y detalles. El automóvil conseguido merece la pena, se trata de un vehículo de aspecto futurista, con forma de gota de agua, para ofrecer la menor resistencia al viento y con tres ruedas, para conseguir la máxima estabilidad. El diseño se inspiró en los zepelines, y para conseguir la eficacia formal que Fuller deseaba invirtió la disposición hasta entonces tradicional de los elementos del automóvil, ubicando el motor atrás, con el radiador hacia el interior y una tronera para tomar aire, la tracción delantera y la dirección en la única rueda trasera, que funciona como el timón en un barco.
A la vez que diseñaba y construía el prototipo no paró de recurrir a las más ingeniosas formas de promoción, empezando por el propio título del automóvil, Dymaxion, palabra que surge de la contracción, inventada por el publicista Waldo Warren, al reunir las palabras más repetidas por Fuller en sus explicaciones: dinamismo, máximo y tensión. Él mismo fundó una revista, Shelter, en la que publicó en 1932 una descripción del coche fantástico con unas fotografías de un modelo en madera realizado por su amigo el escultor Isamu Noguchi. Visto en retrospectiva, la empresa de fabricar un coche como Dymaxion estaba abocada al fracaso, sobre todo teniendo en cuenta los avances que en esa década realizaron ingenieros como Hans Ledwinka, Ferdinand Porsche o Pierre Boulanger, pero la fe voluntariosa y utópica de Fuller y sus socios fue admirable, tanto como la de Norman Foster al reconstruir no sólo el vehículo sino toda la historia de ese momento del diseño técnico.
Bucky Fuller & Spaceship Earth. Ivorypress Art + Books. Comisarios: Norman Foster y Luis Fernández-Galiano. Hasta el 30 de octubre. Comandante Zorita, 48. Madrid. Buckminster Fuller. Dymaxion Car. Foster + Partners. Ivorypress, 2010. 223 páginas. 59,90 euros.
Tseshaht First Nation Health Centre
El Estudio Lubor Trubka ha diseñado esta instalación sanitaria que utiliza las “propiedades curativas de la madera”.
Este edificio, terminado en octubre de 2007, fue concebido e inspirado en los valores históricos de la cultura Tseshahts, en honor a un sentido de orgullo dentro de la comunidad. La madera expuesta del sistema estructural, los detalles y vocabulario arquitectónico, fueron diseñados para expresar el respecto de la cultura Tseshahts por la naturaleza, el patrimonio cultural y su reverencia histórica por la madera utilizada en su día a día.
El sitio, un peñasco grande de granito sobre el río de salmón-freza, ofreció la oportunidad de proponer una solución que preservase la naturaleza. En vez de la voladura de la roca y de excavaciones masivas, el diseño del edificio respeta la topografía existente, con una estructura de madera elevada sobre el borde del río.
La Voz de Galicia - vigo/a coruña. 2/7/2010
A Barrié organiza xunto ao Vitra Museum a mostra dos artistas brasileiros
A Fundación Barrié preparou para o verán un programa afín ás correntes de desenvolvemento sostible, un «verán de deseño» con actividades didácticas e campamentos nas súas dúas sedes, pero ao redor da obra dos deseñadores brasileiros Fernando & Humberto Campana, cuxas creacións se basean na reutilización de materiais para a creación de todo tipo de obxectos. A exposición inaugurada onte, Anticorpos 1989-2009 , procede do Vitra Design Museum de Berlín, que mostrou a ampla retrospectiva na súa sede de Weil am Rhein ata o pasado mes de febreiro. A colaboración do museo alemán coa fundación galega leva quince anos de frutífera relación, como recordou onte o seu director, Alexander von Vegesack. A mostra, que foi presentada polo seu comisario, Mathias Schwatz-Clauss, repasa os 20 anos de traxectoria dos soados creadores, autores dalgúns das iconas actuais do deseño, como a cadeira favela. Nesta ocasión, como xa ocorreu outras veces, as sedes da Barrié en Vigo e A Coruña repártense as obras para ofrecer un discurso complementario.
Humberto Campana (1953) e o seu irmán Fernando (1961) traballan xuntos en Sãou Paulo desde 1989. Humberto abandonou a senda da avogacía para crecer como artista autodidacta, mentres que Fernando formouse como arquitecto.
A exposición destaca os trazos dunha obra cuxa preocupación pola reciclaxe, a fusión de materiais naturais e artificiais e a simultaneidade de culturas reflexa aspectos esenciais da sociedade actual.
A exposición dedica especial atención á súa forma de traballar e mostra as súas variadas fontes de inspiración: a natureza das selvas tropicais, a improvisación dos vendedores rueiros, as chozas das favelas, o cine, a música e as belas artes.
A súa produción logrou o recoñecemento de numerosas publicacións e institucións que albergaron mostras da súa obra, entre elas Experiméntaa de Lisboa, o MoMA de Nova York e o Design Museum de Londres, aínda que o éxito mundial das súas pezas únicas feitas a man saen a miúdo do taller con destino a coleccións públicas ou particulares. Ademais, colaboran con outros talleres externos e empresas internacionais como Alessi, Edra ou Vitra. Anticorpos é a máis ampla exposición sobre o seu traballo ata a data e contén un gran número de prototipos, estudos e maquetas que se exhiben por primeira vez en público. En total hai ao redor de setenta mobles, trece lámpadas, oito pezas de xoiería e vestidos, medio centenar de obxectos do fogar, vinte pezas de arte, unha maqueta de arquitectura, 25 obxectos coleccionados polos mesmos Campana, catro películas, unha serie de diapositivas e unha decena de fotografías.
En cada unha das sedes a mostra arrinca cunha área biográfica sobre a súa traxectoria, unha entrevista filmada e as dúas cadeiras, Negativo e Positivo, coas que os irmáns iniciaron o seu traballo en común. A continuación, cada sede presenta distintas áreas compostas por exemplos da obra dos Campana clasificada segundo os principios que guiaron o seu labor.
Campamentos e talleres
Destaca tamén na exposición unha profusa batería de actividades didácticas, todas gratuítas, que se desenvolverán en xullo, agosto e setembro e incluirán campamentos semanais para nenos en horario de mañá, talleres de hora e media de duración, actividades para pais e fillos e visitas guiadas.
As actividades han de reservarse previamente ben presencialmente, ou nos teléfonos 981060095 (A Coruña) e 986110220 (Vigo).
El Pais- IKER SEISDEDOS - Medellín -05.07.2010
Si uno toma en estación Acevedo el teleférico para cubrir los dos kilómetros que hay hasta San Antonio, allá arriba en las montañas donde Medellín pierde el nombre, será obsequiado con un ejemplar del clásico Cartas a una princesa de Alemania, del matemático del siglo XVIII Leonhard Euler. En él, entre otras lecciones “sobre diversos temas de física y filosofía”, se explica porqué el cielo es azul.
Raramente luce completamente azul el cielo en el nuboso y turbulento valle de Aburrá. Y menos, si este se escruta desde las angostas callejuelas adonde conducen las modernas cabinas del metro-cable. Al final aguarda la Comuna 1, tristemente célebre como uno de los virreinatos donde imperó la ley del narco Pablo Escobar. Las casas alfombran las laderas con la uniformidad del ladrillo que domina el paisaje de la ciudad colombiana, que ayer clausuró la tercera edición del Congreso Iberoamericano de Cultura. Solo un edificio negro, una biblioteca del arquitecto Giancarlo Mazzanti, altera el paisaje de decadencia urbana.
Nada de todo esto (el teleférico, la arquitectura de vanguardia o Euler) solía estar reservado a los vecinos de los barrios pobres de Medellín (cuatro millones de habitantes). Es la historia de la transformación de una de las ciudades más peligrosas del mundo gracias, en gran parte, a la cultura. Y puede sonar a cuento no apto para cínicos, pero es que los vecinos de la Comuna 1 prefieren creer, como esos chavales que, bajo la atenta mirada policial, relatan la metamorfosis a cambio de unos pesos.
El Parque-Biblioteca España, de Mazzanti, fue inaugurado en 2007 y forma parte de una red de cinco centros diseminados por los barrios deprimidos de la ciudad (hay en proyecto la construcción de otros cinco). Además de ofrecer servicio de préstamo de libros o de acceso a Internet, actúan como punto de encuentro y espacio público de las comunidades a las que embellecen con sus formas vanguardistas, ideadas en estudios de arquitectos de prestigio e inspiradas en la idea de que la estética puede ser motor de cambio social.
El binomio Parque-Biblioteca y metro (hay toda una orgullosa cultura ciudadana alrededor de las dos líneas que atraviesan la urbe) se sitúa en el centro de la transformación al aplicar un concepto decimonónico: la comunicación es civilizatoria. Con la instalación del teleférico, muchos habitantes de Comuna 1 bajaron al centro por primera vez en décadas. “Una de las principales causas de violencia urbana es hallarse en un limbo, en un no-lugar”, explica el alcalde Alonso Salazar.
Los presupuestos municipales que maneja destinan 45 millones de dólares anuales (35,8 millones de euros) al fomento de la cultura. Un dinero que, combinado con aportaciones privadas a través de Cajas de Compensación Familiar, se destina a centros como el deMoravia, en la Comuna 4. Una de las últimas obras de Rogelio Salmona, el edificio está abierto (metafórica y literalmente) a los 38.000 vecinos de un barrio que solía albergar el vertedero de la ciudad.
Enfocado a la enseñanza de la música, el Moravia ofrece clases de dirección de orquesta o escenarios para bandas como los Peligrosos, cuadrilla de hip-hop dirigida por Henry, el Jeque. De 29 años, combina rap clásico con cumbia colombiana y un afán de liderazgo comunitario. Consigue dinero para montar festivales en Aranjuez, barrio pobre del que proviene, o media en peleas entre bandas. Su labor no difiere mucho de la de Son Batá, colectivo que por medio de la música, trata de que los chicos de la Comuna 13 trasciendan a los dilemas retratados por Víctor Gaviria en la película Rodrigo D. No Futuro, que narra la vida de un chico sin alternativas que acaba de sicario.
El presidente Álvaro Uribe recordó en su discurso inaugural del Congreso Iberoamericano de la Cultura un adagio recurrente en Medellín: “Cada chico que abraza un instrumento, no empuñará un fusil”. No en vano, otro de los orgullos de la ciudad es el sistema educativo de orquestas, que desde hace veinte años permite el acceso a pianos, violines u oboes a niños con talento.
“Pero conviene no engañarse”, aconseja el alcalde Salazar. “La violencia organizada no se combate con hip-hop”. Carlos Uribe, director del centro Moravia, también se apresura a diluir la impresión de que el trabajo ya está hecho. Esta semana, sin ir más lejos, ocho personas murieron a manos de unos sicarios en una discoteca, la tasa de asesinatos por cada 100.000 habitantes ronda los 70 (cierto que alcanzó los 380) y en la Comuna 1, cuando cae el sol y el cielo se vuelve negro cuentan que le pueden matar a uno por 5.000 pesos. Al cambio, apenas dos euros.
El Pais - EFE - Río de Janeiro - 22/06/2010
El arquitecto español explica que será una institución dedicada a la sostenibilidad y la ecología construida en la zona portuaria de la ciudad
El arquitecto español Santiago Calatrava ha presentado en Río de Janeiro la maqueta de su próximo proyecto, el Museo del Mañana, una institución dedicada a la sostenibilidad y la ecología que será construido en la zona portuaria de la ciudad. “Este es el proyecto museístico más importante que he hecho en toda mi carrera”, ha señalado el arquitecto, quien una vez más se inspiró en el mundo vegetal para diseñar las líneas del edificio, esta vez en las formas de la selva atlántica característica de la región.
En una original presentación del proyecto, Calatrava ha hecho en directo un boceto de lo que será el Museo del Mañana, donde se presentarán exposiciones sobre ciencia, tecnología y conocimiento con el objetivo de concienciar sobre el futuro y la necesidad de adoptar actitudes más ecológicas. “La intención es hacer un museo con un impacto económico ínfimo: con materiales reutilizables y que sea enérgicamente suficiente”, señaló Calatrava, quien espera que el edificio sirva de ejemplo para una filosofía de vida más sostenible.
Estructura del edificio
En la maqueta presentada, el estilo del español se percibe de inmediato en el exterior del museo, que constará de dos plantas y tiene “una estructura sencilla, fácil de reconocer, pero sobre todo accesible”. El nivel inferior estará rodeado por dos estanques de agua que llegan hasta el mar, para reflejar la importancia de este bien, y quedará delimitado por dos zonas verdes que permitirán el acceso desde cualquier parte de la alargada estructura.
El techo del piso superior, al que se podrá acceder por dos rampas, estará compuesto por múltiples placas solares que cambiarán de posición durante el día y ofrecerán una silueta cambiante al visitante. “Debe ser un edificio vital porque es un museo sobre la vida”, aseguró el español, quien valoró que la obra ofrezca “una pedagogía sencilla” a las generaciones futuras, para que sean concienciadas sobre la importancia de conservar el medio ambiente.
Las autoridades de la ciudad han explicado que el museo también servirá para revitalizar el puerto de Río de Janeiro, zona que en la actualidad alberga un recinto ferial y que en el futuro deberá alojar parte de las instalaciones logísticas de los Juegos Olímpicos de 2016. El Museo del Mañana ocupará una superficie de 12.500 metros cuadrados en el puerto de la ciudad, tendrá una inversión de 130 millones de reales (unos 73 millones de dólares) y será inaugurado a finales de 2012, con motivo de la Conferencia sobre Desarrollo Sostenible que la ONU organizará en Río de Janeiro.
Plataforma Arquitectura - Carlos J. Vial
La casa Concepción, de los arquitectos Elton y Leniz, se ubica en una comunidad sobre un cerro con una espectacular vista sobre el rio Bio-Bio.
El partido general parte de una planta en L, en la cual se generan 2 fachadas hermeticas que dan hacia la calle de la comunidad y al vecino. Las otras 2 fachadas se abren hacia un patio central y a las vistas sobre la quebrada y el rio, como tambien a la luz Norte.
La estructura se concibe como un gran techo a 1 agua que genera un volumen de tabiquería revestido en miniwave en 2 piso posado sobre una estructura de hormigón en primer piso que contiene el programa público + el dormitorio principal, el volumen del 2 piso resuelve el programa de dormitorios, sala de estar y estudios, orientados hacia el Norte.
Fotografías Natalia Vial
El Mundo - 07-05-2010
El arquitecto brasileño Óscar Niemeyer, uno de los más prestigiosos del mundo y aún activo a sus 102 años, recibió este viernes el alta del hospital de Río de Janeiro en que estuvo ingresado 12 días debido a una infección urinaria.
El arquitecto, cuya alta estaba prevista para la tarde de este viernes, anticipó su salida del hospital después de que los médicos aceptaran su petición para irse más temprano a casa, informó la asesoría de prensa del Hospital Samaritano de Río de Janeiro.
El centenario arquitecto, que fue ingresado a ese centro médico el pasado 26 de abril debido a una infección urinaria, permaneció la mayor parte del tiempo en una unidad de cuidados semi intensivos y llegó a necesitar de respiración artificial, aunque su condición siempre fue diagnosticada como estable.
Niemeyer, que el próximo mes de diciembre cumplirá 103 años, sigue en activo con varios proyectos aunque su salud es delicada desde hace algún tiempo.
El reputado arquitecto, creador de las principales edificaciones de la cincuentenaria Brasilia y cuyas obras se han levantado en varias ciudades del mundo, estuvo ingresado durante tres semanas en el mismo hospital, entre los meses de septiembre y octubre de 2009, para tratarse un tumor en el colon y extirparle la vesícula.
En junio de 2009 el arquitecto fue ingresado en el hospital Cardiotrauma por una lumbalgia y dado de alta tras una serie de exámenes. En 2006 estuvo 11 días hospitalizado por una caída.
Enrique Browne, ayer en Madrid.- LUIS SEVILLANO
El Pais - Anatxu Zabalbeascoa - Madrid - 29/04/2010
Enrique Browne (Santiago, 1942) está en España como jurado de la Bienal Iberoamericana que se celebrará en Medellín (Colombia) el próximo octubre. Se formó haciendo casas hasta que le llegó, hace apenas una década, la posibilidad de levantar sedes empresariales o el reciente puente Zapallar, que indaga en la escasez de medios para lograr soluciones inesperadas.
Cuenta que le han pedido ideas para la reconstrucción de su país tras el terremoto. “La arquitectura especulativa no aguantó. Pero a veces los ciudadanos son culpables. Quienes habían sustituido las cubiertas de tejas por planchas de cinc, por la molestia de mantener las tejas, han visto cómo su casa se venía abajo porque el adobe se aguanta por el peso que soporta”, explica.
Browne es autor de escritos que contraponen la arquitectura borgiana -producto de la inteligencia del escritor- a la de Pablo Neruda -reflejo de su vida-, por citar sólo dos registros de su admirable amplitud de miras.
Es precisamente eso, amplitud de miras, la mayor ventaja que ha detectado en la nueva arquitectura iberoamericana. “Hay jóvenes capaces de captar el espíritu del mundo de hoy: los problemas de la sociedad más allá de la arquitectura. Son gente que para diseñar utiliza más información de periódicos que de revistas de arquitectura. Producen una arquitectura posible. Son un germen pero, de difundirse, cambiarán la arquitectura”, apunta el arquitecto. “También haya gente como Siza, capaz de reinventarse a los 70 años en un edifico como el Museo Iberé Camargo”, puntualiza.
La escuela Nueva Esperanza, en Ecuador, es uno de los proyectos escogidos para la Bienal de Medellín.- LUIS SEVILLANO
El arquitecto asegura que el gran desafío de la arquitectura actual es “ofrecer a los ciudadanos una alternativa real al mundo virtual”. “El virtual es un mundo autista. Hay mucha arquitectura que se ha dejado seducir y ha tratado de reproducirlo con bucles y curvas, pero ¿debe ser ese el papel de la arquitectura?”, pregunta. Él mismo responde: “La ciudad ofrece alternativas reales para competir con ese mundo autista. No puede ser lo mismo”.
Browne recuerda que “no hay país que se haya desarrollado con energía cara”. Está preocupado por que se entienda en el mundo que las alternativas de energía limpia son demasiado caras.
Ese le parece otro de los retos de la arquitectura de hoy: cómo compatibilizar el desarrollo de algunos países con la sostenibilidad que urge, pero que los países ricos no aplicaron en su desarrollo. “Sabemos construir con poco, tal vez sea éste nuestro momento, pero América Latina no puede renunciar al desarrollo”, sentencia.
El Pais - DAVID ALANDETE 07/03/2010
Raimund Abraham tenía una creencia: que la arquitectura es, ante todo, concepto, ideas, conocimiento. En vida no construyó tantos edificios como otros arquitectos, más prolíficos. Sus biógrafos cuentan una decena de proyectos, sobre todo edificios residenciales en Estados Unidos y en su Austria natal. Como un centro cultural en Nueva York calificado por la crítica y por sus coetáneos como lo mejor que se ha construido en Manhattan desde el Museo Guggenheim en 1959.
Abraham murió el 4 de marzo en un accidente de coche en Los Ángeles, a los 76 años. Aunque vivía a caballo entre Nueva York y Ciudad de México, visitaba California con frecuencia, pues era profesor en el Southern California Institute of Architecture. Momentos antes de morir había pronunciado una conferencia. Sus últimas palabras de recomendación a sus alumnos fueron: “No necesitáis ser esclavos en las oficinas de las empresas ni uno de esos arquitectos famosos. Lo único que necesitáis es papel, lápiz y el deseo de hacer arquitectura”.
Este arquitecto, nacido en 1933 en el Tirol, era un artista del concepto. Para él, el dibujo, la forma embrionaria de la arquitectura, era tan importante como el hecho de construir, ladrillo a ladrillo, para un cliente. “La arquitectura sólo se puede entender como la polaridad entre el espacio geométrico y físico, o como la colisión entre las ideas y la materia, y mientras las ideas representan la noción del infinito o, permítaseme decirlo así, lo eterno, la materia puede contemplarse como la representación simbólica de lo carnal, su presencia y su ausencia”, dijo recientemente.
Sus edificios son funcionales, geométricos, sensuales, táctiles y extremadamente originales. La crítica aplaudió la inauguración en 2002 del Foro Cultural Austriaco, un rascacielos de 24 plantas, 83 metros de altura y sólo 7,4 metros de anchura. El arquitecto convirtió esa estrechez horizontal en una ventaja: añadió relieve y líneas inclinadas en vertical, concediendo volumen a la fachada. El Washington Post lo tildó de “victoria de la estrechez”.
En signo de protesta en contra de la política cultural de su país y como resultado del ascenso del partido del político xenófobo Jörg Haider al Gobierno, en coalición, Abraham renunció a su ciudadanía austriaca un mes antes de la inauguración de su edificio, financiado por el Ministerio de Asuntos Exteriores de aquel país. Desde entonces tenía pasaporte norteamericano.
Deja inconcluso, además, un auditorio dentro del complejo artístico de la Fundación Insel Hombroich que construye Karl-Heinrich Muller cerca de una antigua base de misiles de la OTAN en Alemania. Se trata de una estructura circular inclinada similar a un búnker y coronada por un círculo con un triángulo incrustado dentro.
Su estética posapocalíptica le venía de una infancia vivida en plena II Guerra Mundial, cuando veía los aviones nazis y aliados sobrevolar Austria. En 1964 emigró a EE UU y dio clases en la escuela Cooper Union durante tres décadas. En 1982 se convirtió en conferenciante y profesor visitante en el Southern California Institute or Architecture, donde permaneció hasta su muerte. En 2003 presentó allí, en la misma institución donde enseñaba, la exposición Stargazer, con siete cajas de madera, de unos tres metros de altura, donde incrustó sillas rojas inclinadas desde las que obtener distintas vistas del cielo estrellado durante la noche.
En su obituario, el instituto detallaba los principios de su credo como arquitecto: “Grietas, filos, chimeneas, salientes, combatir el miedo, un amor presentido hacia los paisajes de un desierto sin árboles, el sueño de un horizonte infinito”. Eric Owen Moss, director del centro, dijo, citando de la novela Moby Dick: “¿Quién no es un esclavo? Decidme. ¿Quién no es un esclavo? A lo mejor, Raimund Abraham no lo era”.
La Voz de Galicia - Pontevedra
