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Publicado por admin o 7 June 2011

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Esta vendo Diseño

Chega o novo primitivismo

Escrito por mpierres o 12 July 2011

Izquierda, la bancada Buba, de Karmelina Martina. Derecha, el asiento Kairo, de Karim Rashid.-

Izquierda, la bancada Buba, de Karmelina Martina. Derecha, el asiento Kairo, de Karim Rashid.-

El Pais - Deseño - ANATXU ZABALBEASCOA - Barcelona - 10/07/2011

En busca de alguna verdad, el diseñador neoyorquino de origen egipcio Karim Rashid se puso a investigar en los asientos primitivos de la cultura original de su familia. Le interesó la rigidez de los muebles del país del Nilo y que las patas de garra cinceladas se confundieran con esculturas. Así, el año pasado lanzó al mercado su asiento Kairo, de aspecto pétreo y construido con madera maciza. La butaca, robusta y sin forma reconocible, tiene un aire orgánico. Recuerda al bloque de piedra al que se enfrentaban los escultores clásicos cuando se ponían a trabajar. Solo que el trabajo está hecho, concluido. La empresa Riva 1920 comercializa el asiento desde hace unos meses, pero esa pieza escultórica no está sola.

Cappellini ha presentado este año una bancada que podría recordar el resto de una canoa erosionada por el uso. En realidad, se trata de un diseño realizado con madera envejecida ensamblada según un esquema generado por ordenador que idea una manera de cortar la madera en tres dimensiones. Su autor, el diseñador de origen filipino Raphael Navot, define la pieza como una “escultura de uso libre”. Y la ha bautizado con un nombre tan ambicioso como enigmático que habla tanto de futuro como de tradición: Patchwork Oval Hemisphere.

Este retorno a la inspiración de las fuentes primitivas despierta un anhelo por las formas sólidas y la producción aparentemente alejada de los procesos industriales que, sin embargo, se mueve en un territorio cercano al pastiche. Se trata de una ilusión: todas estas piezas de límites ambiguos y perímetros desdibujados son de fabricación escrupulosamente industrial. Sin embargo, se afanan en parecer justo lo contrario de lo que son: cultivan el aire primitivo y la apariencia incierta. ¿A qué obedece esa contradicción? “Buscamos un reencuentro con lo esencial, con lo ancestral, con lo que entendemos como auténtico, y estos muebles, de libre interpretación y uso, pueden acercarnos a ello”, asegura Giulio Cappellini. El arquitecto y empresario italiano cuenta que su proceso de fabricación obedece a la búsqueda de una perfección que solo la industria sofisticada es capaz de lograr. “Estos muebles responden a la vista, pero también al tacto. Son suaves, apetece tocarlos. Están reforzados con todos los sentidos”, sostiene Cappellini.

Así, otra diseñadora más, esta vez italo-bosnia, añade otra pieza a esta tendencia. La bancada Buba de Karmelina Martina, que nació en Sarajevo, estudió en Florencia con Paolo Deganello y hoy trabaja desde Udine, está inspirada en las alforjas, en las cinchas de apoyo de las sillas de montar y en la estética ecuestre que tan buenos resultados le dio a Hermès en sus estampados, bolsos y joyas. Tal vez por eso, Martina habla más de ilusión que de primitivismo a la hora de describir el diseño que ha producido Moroso. La diseñadora, autora de varias colecciones de lámparas y joyas, no ha tenido reparo en indagar en las formas primitivas con un material como el poliuretano. Así, su banco tiene una forma ambigua, pero busca hablar claro. Tanto, que puede llegar envuelto, tapizado en tela o piel, para hablar, tal vez, de otra ilusión ancestral: la de los regalos cuyo principal atractivo se encuentra en el envoltorio.

Premio The Dieline 2011 para un deseño español

Escrito por wlopez o 27 June 2011
Un deseño dun estudio español gañou o premio The Dieline 2011 na categoría Wine + Champagne. Os premios son otorgados polo website Thedieline.com, especializado en deseño de packaging comercial.
A proposta española está inspirada nos pecados capitais e presenta sete botellas de Rioja na que cada pecado ten un deseño propio.
Mais información: prema aquí

Antonio Citterio, deseño para toda a vida

Escrito por mpierres o 7 November 2010

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El Pais - Diseño - Anatxu Zabalbeascoa - 07-11-2010

Respetuoso y contenido, el arquitecto y diseñador italiano crea muebles duraderos que no entienden de modas o tendencias. Piezas neutrales que se esfuerzan en ser útiles y que ceden al usuario el protagonismo expresivo. Es la receta de un éxito discreto y sostenido durante cuatro décadas.

Discreto, aunque omnipresente, Antonio Citterio (Meda, 1950) es uno de los arquitectos-diseñadores más prolíficos del planeta. Asegura que lo suyo son las relaciones duraderas. Y los números lo secundan. Fundó su estudio hace cuarenta años. En la aventura le acompañó su mujer, la arquitecta estadounidense Terry Dwan, hasta que decidió concentrarse en la crianza de sus hijos. Desde 1999, la italiana Patricia Viel comparte las decisiones del arquitecto. Suyos son los hoteles Bvlgari, un antídoto en la era del design hotel, tiendas de empresas como Cerrutti, Emanuel Ungaro, Valentino o De Beers y un sinnúmero de edificios de oficina. Pero es en los muebles donde el italiano deja su firma más personal. En Milán nos explica las claves para que un mueble dure toda la vida.

Citterio vive en el centro de la ciudad, pero tiene siempre un pie en el aeropuerto. Lleva décadas en la misma casa. Él y su mujer la diseñaron y solo la han cambiado una vez, cuando llegaron los niños. Muchos de sus diseños, como el sofá Charles, nacieron para amueblar su propia casa.

¿Cómo se puede tener una producción tan amplia como arquitecto y diseñador con un estilo sobrio y contenido? El trabajo de diseñador lo hago personalmente. Como arquitecto trabajo con 65 personas. Mis edificios son colaboraciones. Es necesario tener esto en cuenta. Es imprescindible considerar que hace 40 años que diseño. De modo que a veces se juntan en los catálogos de las empresas muchos productos, pero algunos tienen más de dos décadas.

¿Cree que su estilo contenido les confiere esa larga vida? Como diseñador trato de hacer las cosas sencillas. Y no es un secreto que lo sencillo –cuanto más sencillo, más logrado está– queda fuera del tiempo.

¿Cómo se puede idear un sofá para siempre y continuar diseñando sofás para siempre? No es tan sencillo. Trabajo con mucha calma. Para muchos diseños de mobiliario, a veces tardo más de un año. Para los aparatos de Technogym, a veces dos. Así, resulta que he hecho mucho en mi vida, pero poco cada año. Mis diseños no caducan. Profesional y personalmente soy un hombre de relaciones estables. Llevo 37 años con B&B y 25 con Vitra, pero también muchos años con mi mujer y con mi socia. Eso nos aleja de ciertas prisas innecesarias.

¿Qué debe tener un mueble para no caducar? Tiene que ofrecer un servicio, cumplir una función. Si la cumple y quiere quedarse, debe apelar también a lo emocional: la función emotiva se puede cubrir con sencillez.

Este año, Citterio presentó Suita (Vitra), su sofá más versátil, con opción de mesa de trabajo o aparador acoplado al respaldo.

Este año, Citterio presentó Suita (Vitra), su sofá más versátil, con opción de mesa de trabajo o aparador acoplado al respaldo.

¿ Cómo? A veces, los diseños se desdoblan con el tiempo, con nuevas tapicerías o complementos. Para poder hacer un sofá para dos de las grandes marcas mundiales tengo que empezar de cero cada vez. Si tienes tres ideas (uno con inversión tecnológica y funciones diversas, otro con acabados artesanos y otro que sirve tanto en la oficina como en la vivienda), puedes hacer tres sofás a la vez.

Siempre ha trabajado asociado a una mujer. Primero la suya, Terry Dawn, y luego Patricia Viel. Terry quiso dejar ese puesto cuando decidimos tener hijos. Ambos creímos que el punto de vista femenino tenía que tener un lugar en la cabeza de la firma. Patricia fue mi asistente durante muchos años. Cuando el estudio creció, era lógico que ella me ayudara a manejarlo.

Defiende la resta para alargar la vida de los muebles. ¿Hasta dónde se puede restar? Todo depende de dónde se parta [risas]. Hay veces en que uno querría hacer otras cosas. Pero al final es una cuestión de naturalidad. Me puede apetecer diseñar un objeto más expresivo. Pero como mi método de diseño se basa en la resta, al final de esa sustracción comprendo que la expresión con la que me siento cómodo es la que revela el uso del propio mueble. Nada más. Cada diseñador tiene una poética. Yo no puedo hacer lo que no siento propio.

¿Cómo se aparta de las modas? Los muebles no caducos no miran con lupa el mundo. Ni están pendientes de las modas. La prensa quiere espectáculo, pero algunos pensamos que lo verdaderamente espectacular es que un sofá dure la vida de una persona.

¿Y si la persona cambia? Las personas siempre cambian. Pero un sofá para toda la vida no llega a una casa imponiendo nada. Llega ofreciendo servicio. Por eso siempre acompañará.

¿El diseño ha aprendido demasiado de la moda? La parte icónica del diseño reciente sí viene del ritmo de novedades que ha impuesto la moda. Lo curioso es que la moda también tiene, y recupera clásicos atemporales. Hace años, yo sentía celos de la gente capaz de firmar un diseño icónico. Uno se pasaba dos años pensando en cómo mejorar los sofás y luego llegaba alguien que rizaba un respaldo y conseguía la portada de las revistas. Hay veces que uno duda y piensa si se estará equivocando.

¿Qué le hacía persistir en su empeño? Los límites. Los propios: no se puede ir en contra de la naturaleza de uno. Y los de los productos: superado un tiempo, aquella expresión en un sofá resultaba vacua. Ya no decía nada. Y como pieza de mobiliario hablaba de otro tiempo, no de descanso ni de hogar.

¿Cree que las cosas están cambiando? Debo decir que, por suerte, he notado un cambio. Los juguetes de temporada, los muebles que nacen para ocupar portadas, están siendo puestos en crisis incluso desde la prensa. A mí mismo, este año me están pidiendo muchas más entrevistas que hace dos o cinco años. Tal vez todos debamos hacer un esfuerzo mayor. Las genialidades son admirables. Pero hay muy pocas genialidades y mucho engaño.

¿Ha llegado el momento de explicar lo que podría permanecer? Es otra óptica que el momento en que vivimos hace más necesaria. Entre tanto diseño para deslumbrar, un diseño serio, contenido, hecho para durar, se había convertido casi en la excepción.

Ética, responsabilidad… apela a estos atributos al hablar de sus diseños de alto precio. Hay gente que habla de sostenibilidad haciendo productos que caducan en seis meses. El diseño que permanece es más sostenible que los muebles de cartón. La urgencia de la sostenibilidad es un hecho. Pero su aprovechamiento como una nueva moda también lo ha sido. Los Eames hacían sillas sostenibles. Lo sabe quien las tiene desde hace 50 años.

¿Definiría el estilo como una actitud vital? Sí. Es una manera de ver las cosas. Son unas prioridades. Todo eso se refleja en tu diseño. Y con esas decisiones tienes que convivir. Este año he cumplido 60 años y no creo que cambie ya de ideas.

¿Por qué quiso ser arquitecto y diseñador? Me viene de familia. Mi padre hacía muebles de estilo neoclásico, sobrios. Era muy cuidadoso con las proporciones, riguroso con limitar la ornamentación. Todo eso lo vi, lo aprendí y lo heredé.

¿Cómo decidió dar un paso adelante? Los primeros años lo hice casi por enfrentamiento. Él no podía comprender que tirara por la ventana una tradición que me había enseñado con tanto cuidado para abrazarme a un estilo de nuestros días. Desilusioné mucho a mi padre. Pero tuve la suerte de que vivió bastante. Murió en 1982. Eso hizo posible que en sus cinco últimos años viera trabajos míos que le gustaron. Comprendió que no había desperdiciado su herencia, sino que la había convertido en una base para desarrollar mi lenguaje.

Además de diseñar muebles con vocación de permanencia, lo hace para empresas italianas, japonesas o alemanas. ¿Hay un idioma válido para varias culturas? Mi idioma, para que mis muebles se mantengan en el tiempo y sirvan en varias culturas y países, son las ideas. Al diseñar, mi enfoque es el de un arquitecto. Trabajo pensando siempre en el espacio y tratando de que los muebles delimiten un territorio, pero no interrumpan.

Firmando muebles neutrales ¿se siente representado por ellos? Adquieren personalidad con las tapicerías y el contexto. Me hace mucha ilusión cuando la gente pide un modelo mío con una tela que pertenecía a su abuela. El mío no es un diseño histérico. Respeto al usuario y creo que cada uno debe completarlo a su gusto. Mis productos son funcionales y cómodos. Con la ayuda del usuario adquieren expresión. Me siento un diseñador global. De alguna manera, el idioma de la cautela es como el esperanto: se entiende en todas partes.

¿Por qué tienen sus muebles nombre de persona? Charles o Ray son homenajes. Generalmente son nombres de arquitectos que admiro: Luis, por Barragán, Jean; George, por George Nelson, y Charles, por Charles Eames, el número uno. Un ajuste de cuentas con quien me ha inspirado y guiado.

Además es el ideólogo de los hoteles Bvlgari. Un hotel es la tipología perfecta para mí. Comprende arquitectura, interiorismo y diseño. Tienes la cercanía del usuario y una relación casi doméstica con él. No estoy a favor de las sorpresas. Lo que los hoteles Bvlgari ofrecen en el panorama de los design hotels es falta de ellas. Todo está en su sitio: materiales y acabados, diseño y espacio.

¿Cómo ve el futuro? Nos acercamos a una época de diseños reales, con costes justificados: duraderos, resistentes formal y físicamente. Ha dejado de importar lo anecdótico. Lo que hoy importa son los valores objetivos, como la calidad. 

Óscar Mariné, Premio Nacional de Deseño

Escrito por mpierres o 21 October 2010

oscar-marineEl Pais - Diseño - MANUEL CUÉLLAR - Madrid - 20/10/2010

Óscar Mariné y el grupo Kettal han sido galardonados con el Premio Nacional de Diseño otorgados por el Ministerio de Ciencia e Innovación. Esta mañana el Secretario General de Innovación, Juan Tomás Hernani, ha anunciado en rueda de prensa el nombre de los premiados en las categorías de profesionales y empresas.

El jurado ha destacado en el acta a Mariné por “su versatilidad en las diversas aplicaciones del diseño gráfico y reconocimiento en el mercado nacional e internacional, además de su muy personal y singular sello creativo”. Mientras que del grupo Kettal reseña su ejemplar uso del diseño en su estrategia empresarial y por el compromiso con el medio ambiente y la sostenibilidad, además de la apuesta por la innovación en sus productos y procesos industriales”.

Oscar Mariné Brandi (Madrid, 1951) tiene alma de creador e investigador, pero también conserva la frescura de cierta mirada juvenil. En el pasadoFestival Internacional de Cine de San Sebastián , del que ha creado la imagen en sus últimas cinco ediciones, se le podía ver sentado en un banco a la orilla del río Urumea observando las enormes letras pegadas en el auditorio del Kursaal de Moneo, el buque insignia de una ciudad que durante nueve días se viste con el sello inconfundible de Mariné.

Mariné tiene lo que ahora se llama el espíritu nerd,siente pasión por la buena música, por la arquitectura y la fotografía y en su estudio guarda como si fuera un niño colecciones de naves de La Guerra de las Galaxias y aquellos juguetes de las décadas de los 70 y 80 que hoy son tan buscados por coleccionistas de todo el mundo. Músicos como Bruce Springsteen, Immaculate Fools, The Psychedelic Furs, Andrés Calamaro, Los Rodríguez, Brian Eno, Kevin Ayers, Siniestro Total, Michel Camilo y Tomatito, entre otros, han requerido sus servicios para ilustrar las portadas de sus discos, por no contar con la enorme cantidad de carteles de cine para directores como Almodóvar, Julio Médem o Álex de la Iglesia. Así ha sido la carrera de Mariné desde sus principios cuando fundó y fue director artístico de Madrid Me Mataque logró colocarse como una publicación de culto de la movida madrileña.

En este momento, Mariné dice que está volcado en llegar al público real a través de la tienda de su página web. “No tengo un compromiso firmado con ninguna galería en particular y por eso quiero poner mucho empeño en que se puedan adquirir obras mías a través de la red”, asegura.

En 2007 el diário El País quiso que se ocupara de remodelar el diseño de EL PAÍS SEMANALBabeliaDomingo, además de realizar labores de consultor para el diseño del diario. Desde su inicio en 2005 hasta su cese en 2010 Mariné ha sido el director artístico del cuidadísimo diseño de la revista C Photo publicada por la editorial Ivory Press de Londres. Allí también tiene otro de sus grandes clientes, el arquitecto Norman Foster para el que realizó toda su imagen corporativa ganando un concurso internacional de ideas al que se presentaron los mejores estudios del mundo.

“Muchas gracias. Han sido muchos años de trabajo y mucha ilusión. Siempre es un placer que reconozcan tu trabajo, porque ésta es una profesión muy complicada, dada la altísima competencia del mercado”, dijo esta mañana el diseñador galardonado. Provenimos de un país -ha añadido- que puede aportar mucho en el mundo del diseño. Éste es un excelente momento para avanzar, ahora la crisis nos necesita. España es un país que tradicionalmente consume todo de fuera, pero nuestra obligación como profesionales es hacer que los demás también consuman productos españoles”.

El jurado de expertos y profesionales que ha otorgado los Premios Nacionales de Diseño está compuesto por Lola Castelló, José María Faerna, Xabier Gorritxategi, Jordi Montaña, Álvaro Antonio Olivares, Michael Thomson, Juan Tomás Hernani como presidente, y Elisa Sáinz como secretaria del mismo.

Hai vida máis alá da supervivencia

Escrito por mpierres o 12 October 2010

 

vpo20pardinyesb010El Pais - ANATXU ZABALBEASCOA - Lleida-12-10.2010

La vida en Pardinyes, detrás de la estación leridana del AVE, junto al parque de La Mitjana -el más extenso de la ciudad- y no lejos del nuevo emblema urbano, el auditorio de la Llotja, hace tiempo que dejó de ser la de un suburbio para convertirse en un vecindario residencial en el que las nuevas viviendas de protección oficial aportan dignidad.

En ese marco, el estudio de arquitectura barcelonés Coll-Leclerc levantó unos pisos de alquiler que se han hecho con el premio a la mejor vivienda social levantada en Cataluña en los últimos dos años. Los residentes pagan 310 euros al mes por los pisos de 58 metros cuadrados de la calle de Vicenç Ximenis que Jaume Coll y Judith Leclerc -que ya recibieran el Premio Nacional de Vivienda y el Ciudad de Barcelona, por otros apartamentos de alquiler- diseñaron sin desperdiciar un centímetro. Por eso tienen las ventajas de los espacios abiertos, pero evitan la mayoría de sus sacrificios. ¿Cómo lo lograron?

Un único portal, con puerta de celosía metálica que podría ser la de un garaje, da paso a un patio central al que mira la fachada interna de los pisos. No hay peldaños. Hasta allí se puede llevar rodando una bicicleta. O una silla de ruedas. Dentro, el acceso a los apartamentos recuerda más la entrada a una vivienda adosada, con doble corredera y una galería-porche para tender la ropa, acomodar una hamaca o aparcar la bicicleta, que a la puerta de los pisos convencionales. Con ventilación cruzada y fachada a la calle y al jardín comunitario, los pisos son espacios abiertos y contemporáneos en los que es posible vivir sin estrecheces físicas -gracias al juego de puertas correderas que permite sumar espacios-, pero a la vez consiguen rincones para la intimidad en menos de 60 metros cuadrados. La clave está en que los arquitectos han sabido dividir los metros sin romperlos.

Cuenta Jaume Coll que de entre todas las fórmulas para ahorrar metros cuadrados (prescindir de pasillos, evitar recibidores…) la que menos les convence es la más empleada, la que termina por convertir el salón-comedor-cocina en un lugar de paso: “Se pierde entonces la noción de descanso que asociamos al sofá”. Para evitar la sala única, los arquitectos idearon una distribución reversible, salón y comedor separados, pero unidos, por la cocina. Una misma puerta corredera cierra la sala o el baño (a su vez dividido en dos) logrando un juego de espacios transformables para una vida casi abierta, como en un loft, o, casi dividida, como en un piso tradicional.

Los 44 pisos están organizados en dos bloques que forman una L en la esquina entre dos calles y todos cuentan con un mínimo de la hora de exposición solar al día, que requería el Incasol (Instituto Catalán del Suelo) promotor del proyecto. Con estructura de hormigón e interiores libres de pilares -están alineados en el perímetro- las fachadas están abrigadas por chapa galvanizada ondulada en el exterior y por paneles de policarbonato para paliar el viento en el acceso tipo corrala del interior. Ambas fachadas están mordidas por los porches que llevan luz al interior de los pisos y además rompen la habitual monotonía de las viviendas de protección oficial. Con plaza de aparcamiento (con luz natural) estas viviendas ofrecen vida más allá de la supervivencia.

Maxia nas paredes brandas

Escrito por mpierres o 8 September 2010

muro_autoportante_papelEl Pais- Diseño - ANATXU ZABALBEASCOA - Madrid - 07/09/2010

¿Qué genera un espacio? Los arquitectos debaten si la luz los determina tanto como la tectónica, pero los canadienses Stephanie Forsythe (Vancouver, 1970) y Todd MacAllen (Vancouver, 1966) sostienen que es lo pequeño y lo invisible (el tacto) lo que conserva todavía un potencial por explotar en la experiencia física de los espacios. Para demostrarlo, llevan cinco años investigando, y comercializando, soluciones arquitectónicas realizadas con papel.

Forsythe estudió arquitectura en la Cooper Union de Nueva York. Tras trabajar con Steven Hall en Manhattan, en 1996 eligió especializarse en diseño medioambiental y al hacerlo coincidió con su socio Todd MacAllen, que había estudiado carpintería antes de convertirse en arquitecto. Con ese pasado, y tras vivir varios años en Finlandia, decidieron que su estudio se dedicaría a investigar soluciones económicas que tuvieran en cuenta las culturas locales. De nuevo el interés por lo pequeño y lo invisible. Son muchos los diseños que han firmado en una década de trabajos conjuntos: un par de casas, varios pabellones, lámparas de agua o copas en las que los líquidos aparecen como una materia flotante, pero fue un amigo empresario, Robert Pasut, el que les animó a rentabilizar su imaginación.

Así nació el estudio Molo -www.molodesign.com-, con Pasut como tercer pie del grupo. Y fue precisamente esa pata empresarial la que los animó a realizar sus muebles en papel prensado. El proceso fue escalonado. Tras un taburete llegaría una escalera; tras los peldaños, una pared de papel, después un muro autoportante y un sinfín de nuevos elementos constructivos.

Su último invento ha sido añadir luz al papel. Las construcciones modulares pueden hoy esconder un dispositivo de leds que permite retroiluminarlas. El efecto es irreal. Si las mejores pantallas de lámpara son de papel, imaginen una habitación en la que son las paredes las que emiten la luz. Hoy Forsythe y MacAllen se ven capaces de diseñar cada uno de los componentes de una vivienda utilizando solo papel. Y a su afición por explotar el tacto le han añadido el nuevo divertimento de las ilusiones ópticas que transforman muebles en lámparas.

En 2002, cuando empezaban a trabajar juntos, un jurado compuesto por el japonés Tadao Ando y el francés Jean Nouvel eligió un proyecto suyo para la futura Casa Nebuta (un festival en el que se escenifican historias) de Aomori, al norte de Japón. Tras una larga espera, el año pasado comenzó a levantarse el edificio y esta temporada la revistaArchitectural Review lo ha elegido como el más prometedor para el año próximo. Ese museo de Nebuta, un prisma envuelto en cintas de acero que, asimétricas y replegadas, recuerdan a jirones de papel en movimiento, estará listo en 2011, pero habla ya el idioma de sus autores, capaces de levantar un muro blando, flexible y autoportante con la única ayuda de un imán. “Lo pequeño y lo no visible, pero susceptible de sorprender al tacto, encierra un potencial por explorar”, dicen. Sin embargo, recuerdan, con insistencia y con una incesante producción, que todo empezó rasgando tiras de papel.

O sofá-habitación

Escrito por mpierres o 27 July 2010

sofa-suita-de-citterio-para-vitraEl Pais - Anatxu Zabalbeascoa - 22-07-2010

 

¿Cómo puede ayudar un sofá a las viviendas de hoy? El arquitecto Antonio Citterio, que lleva 25 años trabajando para Vitra, ha dado el salto de la producción de mobiliario de oficina a la rama que cuida el ámbito doméstico de esa empresa. El resultado ha sido el sofá Suita, que trata de integrar todos los usos de un sofá familiar (tumbarse o sentarse, trabajar o comer) en un único elemento. El sofá no sólo permite la convivencia de usos, como una familia, también puede crecer y cambiar. Compacto y capaz de convivir con los muebles que llegaron antes que él, representa la idea del sofá-habitación. Explicamos por qué.

Las claves del sofá Suita (acrónimo de Suiza e Italia) para tratar de responder a lo que puede ser un sofá familiar de hoy son éstas:

1- Es de producción industrial pero puede adaptarse a medida. Está compuesto por elementos que se pueden combinar según los espacios que deba o pueda ocupar el sofá y de acuerdo con las necesidades a las que deba responder. La combinación de chaise-longues, cabeceros, bandejas posteriores o módulos intermedios es libre. Todo puede unirse.
2-Puede crecer. La modularidad le permite crecer a lo largo -añadiendo cuerpos de asiento-, a lo ancho –añadiendo una chaise-longue- o a lo alto -sumando cabeceros elevados-.
3-Es compacto, pero cómodo. Citterio investigó diversas firmezas para el relleno de los almohadones y los asientos con el fin de lograr un sofá cómodo en un espacio limitado.
4-Es de fácil convivencia. Su neutralidad (tapicerías monocromas, líneas sobrias estructura de aluminio fundido a presión, patas sin referencia temporal) permite que el nuevo sofá conviva con elementos ya existentes en la casa. Desde los cojines hasta las mantas o mesillas. Se trata de un sofá ideado para convivir, no para cambiar.
5-Útil por todas sus caras. Una serie de bandejas permiten que la parte trasera del sofá se convierta en aparador u oficina. El propio puf, ideado por Citterio, puede actuar de mesa, de chaise-longue o de asiento supletorio.
No se trata de un sofá tendencia sino de una pieza de resistencia. Hace unos días el arquitecto de Meda cumplió 60 años. Que en tres décadas de profesión haya firmado 363 piezas de mobiliario de producción industrial habla (además de de la voracidad de un mercado insaciable) de su capacidad para idear soluciones. Que esos 363 productos hayan sido fabricados sólo por 13 empresas deja claro el tipo de relación que Citterio establece con sus clientes, la misma que busca obtener con sus productos: una de largo recorrido.

Nen arte nen deseño, outra volta de tuerca

Escrito por mpierres o 19 July 2010

revistero_cubeEl Pais - Madrid - 14.07.2010

Ante la dificultad de esquivar el pronóstico de un progresivo naufragio del design art -el diseño de piezas únicas o en series limitadas de producción semiindustrial y de venta en galerías de arte- algunos diseñadores reculan. Es el caso de Oki Sato (Toronto, 1977), del colectivo nipón Nendo.

De origen canadiense, criado y formado en Tokio y con oficinas en Milán además de en la capital nipona, este diseñador ha trabajado todas las escalas de la arquitectura. Desde las viviendas (como la emblemática Casa Libro) hasta los interiores, el grafismo, el mobiliario, los productos industriales -como balones o frascos de perfume- y los ingeniosos, como lápices de chocolate a los que se les puede sacar punta. Es lo que comúnmente se denomina un diseñador de amplio recorrido y, por lo que se ha podido comprobar, con amplitud de recursos.

Así, en la nueva colección de la empresa italiana Arketipo, Nendo ha querido dar un paso hacia delante, o hacia fuera, de un barco que amenaza con hundirse. De ese modo, ha firmado una serie de piezas puente, entre el diseño y el arte. Se trata de muebles escultóricos que adornan y sorprenden, pero que también cumplen una función. Son esculturas útiles en las que, con frecuencia, la sorpresa radica, precisamente, en que esas formas inesperadas sean capaces de ofrecer un uso. Está claro que Sato juega a retar a la lógica. Por eso, el equilibrio de la propuesta desequilibrada que es el revistero Cube merece un análisis.

Supuestamente apoyado en un vértice, posiblemente el único lugar en el que nadie apoyaría nunca un prisma puro, este mueble auxiliar quiere añadir dinamismo a los interiores más sobrios. Y lo hace desestabilizando, pero sin romper. ¿Nadando y guardando la ropa? Apostando por los ángulos desplazados, por una construcción en zigzag, por rasgar, sin romper, las líneas rectas de un interior cartesiano. Sato ha descrito su trabajo como “un diseño hecho de pequeños momentos” en su ambición por “dar nueva forma a la cotidianidad”. Pero hay más piezas y más propuestas entre el arte y el diseño, entre los nuevos productos que firman los nueve diseñadores japoneses de Nendo.

Si uno contempla una fotografía del perchero Eda (también producido por Arketipo) la imagen es la de una delicada composición de ikebana. Nada más lejos de la realidad. La sutileza se pierde con la escala real del producto: un jarrón blanco de más de un metro de altura y unas flores, o ramas, con la robustez suficiente como para colgar ropa de ellas.

El caso de los hermanos Campana es prácticamente el inverso. Nunca han sido adalides del design art. Su origen casi lo contrapone. Lo suyo era una cuestión de supervivencia, un diseño de piezas únicas involuntarias, nacidas más por falta de industria que por voluntad de exclusividad. En su caso, el recurso de la artesanía se impuso ante la falta de una tradición industrial en Brasil. Eso fue al principio. Una vez sus productos han sido solicitados por los más reconocidos productores del mobiliario actual, la última colección que Humberto y Fernando Campana han firmado para Edra es más artística que industrial. Construida con fragmentos de espejos o moldeada con terracota, las lámparas, mesas, o cómodas de la serie Nuevos Bárbaros son piezas casi exclusivas. Útiles, pero de producción semiartesanal, los muebles de los Campana recorren el mismo camino ideado por Nendo, pero desde el lado opuesto.

Que dos de los más punteros diseñadores del momento, procedentes de Japón y Brasil, se encuentren en Milán no indica nada nuevo. Que coincidan en un tipo de producto que ni es exclusivo ni quiere dejar de serlo, que ya no se vende en las galerías de arte pero que sí es de factura artesana ¿apuntará el fin del polémico y fulgurante design art?

Vigo e A Coruña comparten o deseño reciclado dos Campana

Escrito por mpierres o 7 July 2010

hermanos-campana1La Voz de Galicia - vigo/a coruña. 2/7/2010

A Barrié organiza xunto ao Vitra Museum a mostra dos artistas brasileiros

A Fundación Barrié preparou para o verán un programa afín ás correntes de desenvolvemento sostible, un «verán de deseño» con actividades didácticas e campamentos nas súas dúas sedes, pero ao redor da obra dos deseñadores brasileiros Fernando & Humberto Campana, cuxas creacións se basean na reutilización de materiais para a creación de todo tipo de obxectos. A exposición inaugurada onte, Anticorpos 1989-2009 , procede do Vitra Design Museum de Berlín, que mostrou a ampla retrospectiva na súa sede de Weil am Rhein ata o pasado mes de febreiro. A colaboración do museo alemán coa fundación galega leva quince anos de frutífera relación, como recordou onte o seu director, Alexander von Vegesack. A mostra, que foi presentada polo seu comisario, Mathias Schwatz-Clauss, repasa os 20 anos de traxectoria dos soados creadores, autores dalgúns das iconas actuais do deseño, como a cadeira favela. Nesta ocasión, como xa ocorreu outras veces, as sedes da Barrié en Vigo e A Coruña repártense as obras para ofrecer un discurso complementario.

Humberto Campana (1953) e o seu irmán Fernando (1961) traballan xuntos en Sãou Paulo desde 1989. Humberto abandonou a senda da avogacía para crecer como artista autodidacta, mentres que Fernando formouse como arquitecto.

A exposición destaca os trazos dunha obra cuxa preocupación pola reciclaxe, a fusión de materiais naturais e artificiais e a simultaneidade de culturas reflexa aspectos esenciais da sociedade actual.

A exposición dedica especial atención á súa forma de traballar e mostra as súas variadas fontes de inspiración: a natureza das selvas tropicais, a improvisación dos vendedores rueiros, as chozas das favelas, o cine, a música e as belas artes.

A súa produción logrou o recoñecemento de numerosas publicacións e institucións que albergaron mostras da súa obra, entre elas Experiméntaa de Lisboa, o MoMA de Nova York e o Design Museum de Londres, aínda que o éxito mundial das súas pezas únicas feitas a man saen a miúdo do taller con destino a coleccións públicas ou particulares. Ademais, colaboran con outros talleres externos e empresas internacionais como Alessi, Edra ou Vitra. Anticorpos é a máis ampla exposición sobre o seu traballo ata a data e contén un gran número de prototipos, estudos e maquetas que se exhiben por primeira vez en público. En total hai ao redor de setenta mobles, trece lámpadas, oito pezas de xoiería e vestidos, medio centenar de obxectos do fogar, vinte pezas de arte, unha maqueta de arquitectura, 25 obxectos coleccionados polos mesmos Campana, catro películas, unha serie de diapositivas e unha decena de fotografías.

En cada unha das sedes a mostra arrinca cunha área biográfica sobre a súa traxectoria, unha entrevista filmada e as dúas cadeiras, Negativo e Positivo, coas que os irmáns iniciaron o seu traballo en común. A continuación, cada sede presenta distintas áreas compostas por exemplos da obra dos Campana clasificada segundo os principios que guiaron o seu labor.

Campamentos e talleres

Destaca tamén na exposición unha profusa batería de actividades didácticas, todas gratuítas, que se desenvolverán en xullo, agosto e setembro e incluirán campamentos semanais para nenos en horario de mañá, talleres de hora e media de duración, actividades para pais e fillos e visitas guiadas.

As actividades han de reservarse previamente ben presencialmente, ou nos teléfonos 981060095 (A Coruña) e 986110220 (Vigo).

Premio Reddot Design: estantería Bedouin

Escrito por mpierres o 9 June 2010

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Bedouin es un elegante diseño de estantería que puede ser transformado en un compacto, fácil de ser transportado a modo de maleta. Se manipula mediante una serie de movimientos interactivos: como un libro que está abierto, sus cubiertas desplegadas se transforman en estantería.  Se soporta mediante una columna a modo de eje central, el cual funciona como ventilación en su posición cerrada.
Este diseño ha sido meritorio de una mención honorífica en los Premios Reddot Design del 2009, en su modalidad de mobiliario.
Producido:Etel Marcenaria, São Paulo, Brazil
Diseño:Azul Arquitetura e Design, Rio de Janeiro, Brazil
(Lia Siqueira)