Hoxe, martes, día 10 de Agosto, saíu publicado na web do Concello de Pontevedra o anuncio e bases que rexirán o CONCURSO CON INTERVENCIÓN DE JURADO PARA LA SELECCIÓN DEL ANTEPROYECTO DE REHABILITACIÓN DE ZONA DEGRADADA POR LAS TRASERAS DE LOS EDIFICIOS DE LA MANZANA 135 DE PONTEVEDRA, FRENTE AL SANTUARIO DE LA VIRGEN PEREGRINA.
O fin [...]
El Pais - Anatxu Zabalbeascoa - 22-07-2010
¿Cómo puede ayudar un sofá a las viviendas de hoy? El arquitecto Antonio Citterio, que lleva 25 años trabajando para Vitra, ha dado el salto de la producción de mobiliario de oficina a la rama que cuida el ámbito doméstico de esa empresa. El resultado ha sido el sofá Suita, que trata de integrar todos los usos de un sofá familiar (tumbarse o sentarse, trabajar o comer) en un único elemento. El sofá no sólo permite la convivencia de usos, como una familia, también puede crecer y cambiar. Compacto y capaz de convivir con los muebles que llegaron antes que él, representa la idea del sofá-habitación. Explicamos por qué.
Las claves del sofá Suita (acrónimo de Suiza e Italia) para tratar de responder a lo que puede ser un sofá familiar de hoy son éstas:
1- Es de producción industrial pero puede adaptarse a medida. Está compuesto por elementos que se pueden combinar según los espacios que deba o pueda ocupar el sofá y de acuerdo con las necesidades a las que deba responder. La combinación de chaise-longues, cabeceros, bandejas posteriores o módulos intermedios es libre. Todo puede unirse.
2-Puede crecer. La modularidad le permite crecer a lo largo -añadiendo cuerpos de asiento-, a lo ancho –añadiendo una chaise-longue- o a lo alto -sumando cabeceros elevados-.
3-Es compacto, pero cómodo. Citterio investigó diversas firmezas para el relleno de los almohadones y los asientos con el fin de lograr un sofá cómodo en un espacio limitado.
4-Es de fácil convivencia. Su neutralidad (tapicerías monocromas, líneas sobrias estructura de aluminio fundido a presión, patas sin referencia temporal) permite que el nuevo sofá conviva con elementos ya existentes en la casa. Desde los cojines hasta las mantas o mesillas. Se trata de un sofá ideado para convivir, no para cambiar.
5-Útil por todas sus caras. Una serie de bandejas permiten que la parte trasera del sofá se convierta en aparador u oficina. El propio puf, ideado por Citterio, puede actuar de mesa, de chaise-longue o de asiento supletorio.
No se trata de un sofá tendencia sino de una pieza de resistencia. Hace unos días el arquitecto de Meda cumplió 60 años. Que en tres décadas de profesión haya firmado 363 piezas de mobiliario de producción industrial habla (además de de la voracidad de un mercado insaciable) de su capacidad para idear soluciones. Que esos 363 productos hayan sido fabricados sólo por 13 empresas deja claro el tipo de relación que Citterio establece con sus clientes, la misma que busca obtener con sus productos: una de largo recorrido.
El Pais - Madrid - 14.07.2010
Ante la dificultad de esquivar el pronóstico de un progresivo naufragio del design art -el diseño de piezas únicas o en series limitadas de producción semiindustrial y de venta en galerías de arte- algunos diseñadores reculan. Es el caso de Oki Sato (Toronto, 1977), del colectivo nipón Nendo.
De origen canadiense, criado y formado en Tokio y con oficinas en Milán además de en la capital nipona, este diseñador ha trabajado todas las escalas de la arquitectura. Desde las viviendas (como la emblemática Casa Libro) hasta los interiores, el grafismo, el mobiliario, los productos industriales -como balones o frascos de perfume- y los ingeniosos, como lápices de chocolate a los que se les puede sacar punta. Es lo que comúnmente se denomina un diseñador de amplio recorrido y, por lo que se ha podido comprobar, con amplitud de recursos.
Así, en la nueva colección de la empresa italiana Arketipo, Nendo ha querido dar un paso hacia delante, o hacia fuera, de un barco que amenaza con hundirse. De ese modo, ha firmado una serie de piezas puente, entre el diseño y el arte. Se trata de muebles escultóricos que adornan y sorprenden, pero que también cumplen una función. Son esculturas útiles en las que, con frecuencia, la sorpresa radica, precisamente, en que esas formas inesperadas sean capaces de ofrecer un uso. Está claro que Sato juega a retar a la lógica. Por eso, el equilibrio de la propuesta desequilibrada que es el revistero Cube merece un análisis.
Supuestamente apoyado en un vértice, posiblemente el único lugar en el que nadie apoyaría nunca un prisma puro, este mueble auxiliar quiere añadir dinamismo a los interiores más sobrios. Y lo hace desestabilizando, pero sin romper. ¿Nadando y guardando la ropa? Apostando por los ángulos desplazados, por una construcción en zigzag, por rasgar, sin romper, las líneas rectas de un interior cartesiano. Sato ha descrito su trabajo como “un diseño hecho de pequeños momentos” en su ambición por “dar nueva forma a la cotidianidad”. Pero hay más piezas y más propuestas entre el arte y el diseño, entre los nuevos productos que firman los nueve diseñadores japoneses de Nendo.
Si uno contempla una fotografía del perchero Eda (también producido por Arketipo) la imagen es la de una delicada composición de ikebana. Nada más lejos de la realidad. La sutileza se pierde con la escala real del producto: un jarrón blanco de más de un metro de altura y unas flores, o ramas, con la robustez suficiente como para colgar ropa de ellas.
El caso de los hermanos Campana es prácticamente el inverso. Nunca han sido adalides del design art. Su origen casi lo contrapone. Lo suyo era una cuestión de supervivencia, un diseño de piezas únicas involuntarias, nacidas más por falta de industria que por voluntad de exclusividad. En su caso, el recurso de la artesanía se impuso ante la falta de una tradición industrial en Brasil. Eso fue al principio. Una vez sus productos han sido solicitados por los más reconocidos productores del mobiliario actual, la última colección que Humberto y Fernando Campana han firmado para Edra es más artística que industrial. Construida con fragmentos de espejos o moldeada con terracota, las lámparas, mesas, o cómodas de la serie Nuevos Bárbaros son piezas casi exclusivas. Útiles, pero de producción semiartesanal, los muebles de los Campana recorren el mismo camino ideado por Nendo, pero desde el lado opuesto.
Que dos de los más punteros diseñadores del momento, procedentes de Japón y Brasil, se encuentren en Milán no indica nada nuevo. Que coincidan en un tipo de producto que ni es exclusivo ni quiere dejar de serlo, que ya no se vende en las galerías de arte pero que sí es de factura artesana ¿apuntará el fin del polémico y fulgurante design art?
La Voz de Galicia - vigo/a coruña. 2/7/2010
A Barrié organiza xunto ao Vitra Museum a mostra dos artistas brasileiros
A Fundación Barrié preparou para o verán un programa afín ás correntes de desenvolvemento sostible, un «verán de deseño» con actividades didácticas e campamentos nas súas dúas sedes, pero ao redor da obra dos deseñadores brasileiros Fernando & Humberto Campana, cuxas creacións se basean na reutilización de materiais para a creación de todo tipo de obxectos. A exposición inaugurada onte, Anticorpos 1989-2009 , procede do Vitra Design Museum de Berlín, que mostrou a ampla retrospectiva na súa sede de Weil am Rhein ata o pasado mes de febreiro. A colaboración do museo alemán coa fundación galega leva quince anos de frutífera relación, como recordou onte o seu director, Alexander von Vegesack. A mostra, que foi presentada polo seu comisario, Mathias Schwatz-Clauss, repasa os 20 anos de traxectoria dos soados creadores, autores dalgúns das iconas actuais do deseño, como a cadeira favela. Nesta ocasión, como xa ocorreu outras veces, as sedes da Barrié en Vigo e A Coruña repártense as obras para ofrecer un discurso complementario.
Humberto Campana (1953) e o seu irmán Fernando (1961) traballan xuntos en Sãou Paulo desde 1989. Humberto abandonou a senda da avogacía para crecer como artista autodidacta, mentres que Fernando formouse como arquitecto.
A exposición destaca os trazos dunha obra cuxa preocupación pola reciclaxe, a fusión de materiais naturais e artificiais e a simultaneidade de culturas reflexa aspectos esenciais da sociedade actual.
A exposición dedica especial atención á súa forma de traballar e mostra as súas variadas fontes de inspiración: a natureza das selvas tropicais, a improvisación dos vendedores rueiros, as chozas das favelas, o cine, a música e as belas artes.
A súa produción logrou o recoñecemento de numerosas publicacións e institucións que albergaron mostras da súa obra, entre elas Experiméntaa de Lisboa, o MoMA de Nova York e o Design Museum de Londres, aínda que o éxito mundial das súas pezas únicas feitas a man saen a miúdo do taller con destino a coleccións públicas ou particulares. Ademais, colaboran con outros talleres externos e empresas internacionais como Alessi, Edra ou Vitra. Anticorpos é a máis ampla exposición sobre o seu traballo ata a data e contén un gran número de prototipos, estudos e maquetas que se exhiben por primeira vez en público. En total hai ao redor de setenta mobles, trece lámpadas, oito pezas de xoiería e vestidos, medio centenar de obxectos do fogar, vinte pezas de arte, unha maqueta de arquitectura, 25 obxectos coleccionados polos mesmos Campana, catro películas, unha serie de diapositivas e unha decena de fotografías.
En cada unha das sedes a mostra arrinca cunha área biográfica sobre a súa traxectoria, unha entrevista filmada e as dúas cadeiras, Negativo e Positivo, coas que os irmáns iniciaron o seu traballo en común. A continuación, cada sede presenta distintas áreas compostas por exemplos da obra dos Campana clasificada segundo os principios que guiaron o seu labor.
Campamentos e talleres
Destaca tamén na exposición unha profusa batería de actividades didácticas, todas gratuítas, que se desenvolverán en xullo, agosto e setembro e incluirán campamentos semanais para nenos en horario de mañá, talleres de hora e media de duración, actividades para pais e fillos e visitas guiadas.
As actividades han de reservarse previamente ben presencialmente, ou nos teléfonos 981060095 (A Coruña) e 986110220 (Vigo).
ANATXU ZABALBEASCOA - Madrid - 13/05/2010
Tuñón y Mansilla y Sanaa coinciden al crear sendos bancos con forma vegetal
“Hace años que los dos estudios le damos vueltas a la misma flor”, concede elegantemente el arquitecto Emilio Tuñón. Y no es que él y la última premio Pritzker, Kazuyo Sejima, anden deshojando una misma margarita. Es que no es la primera vez que coinciden en el diseño de esta forma primaveral.
En la pasada feria del mueble de Milán, la empresa alemana Vitra presentó un banco singular. Se llama Flower, tiene forma de eso mismo y, tapizado en piel sintética blanca, está pensado para fomentar el diálogo entre quienes esperan o descansan sentados en sus pétalos redondeados. Se trata de un mueble icónico, pero discreto. Posee la extraña mezcla entre ligereza y rotundidad que es marca de la casa de sus autores.
Vayamos un poco más atrás en el tiempo. Hace poco menos de un año, Escofet, empresa española de mobiliario exterior, puso en producción la banca (así, en femenino) Flor firmada por los arquitectos Emilio Tuñón y Luis M. Mansilla y realizada, ahora, en hormigón pigmentado. Es decir, capaz de crecer en cualquier color. Vamos a explicar ese ahora. Esa singular bancada tenía origen en el asiento modular -capaz de transformarse mediante la suma de unidades- idéntico pero fabricado en madera con el que Tuñón y Mansilla amueblaron la Biblioteca y Archivo de la Comunidad de Madrid que firmaron hace más de una década.
De hecho, en la antigua fábrica de El Águila los inmuebles industriales de ladrillo y los nuevos de hormigón y cristal conviven hoy con una gran bancada de hormigón, suma de bancas Flor. “La sucesión de flores estrelladas completa el espacio y se ha convertido en un lugar de encuentro para los usuarios del edificio”, cuentan los arquitectos. Eso, convertir un banco en el corazón de un edificio, sucede no sólo en este antiguo proyecto sino en muchos de sus trabajos.
La idea de este asiento de forma estrellada (presente en el anagrama del estudio) persigue la misma voluntad de combinar igualdad y diversidad que impregna los edificios de los arquitectos madrileños. Así, su banca Flor no es delicada sino compleja. Se trata de un diseño radial que permite un uso flexible -del que habla también Sejima- además de preservar la intimidad del usuario que decide sentarse solo en una de las puntas de la estrella.
La historia de la flor que comparten Sanaa y Tuñón y Mansilla se remonta a la vivienda que los madrileños levantaron en Nanjing hace ocho años. “Poco después Sejima construyó al lado su Casa Flor y, naturalmente, le quedó mucho mejor que a nosotros”, continúa Tuñón. No es ésta la primera vez que estos arquitectos se adelantan a un Pritzker. Su sol naciente para el futuro Centro de Convenciones de Madrid llegó más de un año antes de que Herzog&de Meuron presentaran otro para la cercana sede del BBVA.
Hoxe xoves, na Casa das Campás ás 19:00 h: Gaspar Sobrino
Arquitecto de interiores, director creativo e de imaxe, consultor de merchandising e deseñador de escaparates. Traballa para marcas como BLUE INC., PEPE JEANS, PULL AND BEAR, ARMAND BASI, BY BASI ou LACOSTE. Deseña , controla a produción e executa proxectos para potenciar a imaxe de marca ocupándose do deseño interior da tenda e mobiliario, deseño de escaparates de campaña, ou o deseño creativo e artístico de catálogo ( casting, localización , story board, iluminación, estilismo, etc)
Do-Lo-Rez, alfombra-asiento de Ron Arad
El Pais- ANATXU ZABALBEASCOA - Madrid - 04/05/2010
Las nuevas alfombras se han hartado de estar a nuestros pies. Quieren levantar el vuelo. La empresaria barcelonesa Nani Marquina escuchó esa idea de boca de Ron Arad, de origen israelí y uno de los diseñadores más imaginativos asentados del Londres bohemio. Y le pidió que lo consiguiera. El resultado, entre el tetris y la descomposición de los pixels, es la alfombra Do-Lo-Rez, un asiento-banco-puf que, sin embargo, sigue funcionando como felpudo.
No es fácil innovar con las alfombras. Más allá de variar los materiales y alterar los recursos gráficos que las decoran, Marquina lo ha hecho, durante dos décadas, recortando las formas, desgajando las telas, desdoblando las costuras, combinando las tradicionales lanas y sedas con gomas industriales y otros materiales sintéticos o haciendo, incluso, brotar flores del suelo, como en la Little Field of Flowers de Tord Boontje.
A pesar de ese progresivo desdoblamiento de las posibilidades de las alfombras, cuando esta empresaria con Premio Nacional de Diseño tropezó con Arad supo que se podía dar un paso más.
No es la primera vez que las alfombras se despegan del suelo. Durante siglos lo habitual era que se mostraran expuestas sobre mesas. Por encima del calor que ofrecían se valoraba entonces la preocupación por no estropearlas. Ese problema, el miedo a dañar una obra de arte, estaba presente en una alfombra mucho más reciente, la Mangas que, evocando los jerséis de punto que le diseñaba su abuela de pequeña, la ovetense Patricia Urquiola ideó para Gandía Blasco. La alfombra pasó de ser una apuesta de pasarela de la empresa de Onteniente a convertirse en uno de los productos mejor vendidos de la temporada pasada. Tanto es así, que también Urquiola ha querido levantar el vuelo con su alfombra Mangas y ha ideado, de una manera más tradicional, los pufs Mangas, Caramelo y Campana, que llevan tres dimensiones al diseño original. Ahora es posible componer una alfombra tridimensional -sumando pufs- o añadir una protuberancia de su misma piel que aúna bandas de lana tejida, al modelo Mangas original. A esta nueva generación de alfombras, sólo le falta volar.
Enrique Browne, ayer en Madrid.- LUIS SEVILLANO
El Pais - Anatxu Zabalbeascoa - Madrid - 29/04/2010
Enrique Browne (Santiago, 1942) está en España como jurado de la Bienal Iberoamericana que se celebrará en Medellín (Colombia) el próximo octubre. Se formó haciendo casas hasta que le llegó, hace apenas una década, la posibilidad de levantar sedes empresariales o el reciente puente Zapallar, que indaga en la escasez de medios para lograr soluciones inesperadas.
Cuenta que le han pedido ideas para la reconstrucción de su país tras el terremoto. “La arquitectura especulativa no aguantó. Pero a veces los ciudadanos son culpables. Quienes habían sustituido las cubiertas de tejas por planchas de cinc, por la molestia de mantener las tejas, han visto cómo su casa se venía abajo porque el adobe se aguanta por el peso que soporta”, explica.
Browne es autor de escritos que contraponen la arquitectura borgiana -producto de la inteligencia del escritor- a la de Pablo Neruda -reflejo de su vida-, por citar sólo dos registros de su admirable amplitud de miras.
Es precisamente eso, amplitud de miras, la mayor ventaja que ha detectado en la nueva arquitectura iberoamericana. “Hay jóvenes capaces de captar el espíritu del mundo de hoy: los problemas de la sociedad más allá de la arquitectura. Son gente que para diseñar utiliza más información de periódicos que de revistas de arquitectura. Producen una arquitectura posible. Son un germen pero, de difundirse, cambiarán la arquitectura”, apunta el arquitecto. “También haya gente como Siza, capaz de reinventarse a los 70 años en un edifico como el Museo Iberé Camargo”, puntualiza.
La escuela Nueva Esperanza, en Ecuador, es uno de los proyectos escogidos para la Bienal de Medellín.- LUIS SEVILLANO
El arquitecto asegura que el gran desafío de la arquitectura actual es “ofrecer a los ciudadanos una alternativa real al mundo virtual”. “El virtual es un mundo autista. Hay mucha arquitectura que se ha dejado seducir y ha tratado de reproducirlo con bucles y curvas, pero ¿debe ser ese el papel de la arquitectura?”, pregunta. Él mismo responde: “La ciudad ofrece alternativas reales para competir con ese mundo autista. No puede ser lo mismo”.
Browne recuerda que “no hay país que se haya desarrollado con energía cara”. Está preocupado por que se entienda en el mundo que las alternativas de energía limpia son demasiado caras.
Ese le parece otro de los retos de la arquitectura de hoy: cómo compatibilizar el desarrollo de algunos países con la sostenibilidad que urge, pero que los países ricos no aplicaron en su desarrollo. “Sabemos construir con poco, tal vez sea éste nuestro momento, pero América Latina no puede renunciar al desarrollo”, sentencia.
La escultura Minerva, en la terraza del Círculo de Bellas Artes.- S. SÁNCHEZ
El Pais - 27.04.2010
Un lugar para conservar el tiempo en Madrid, como la Estufa fría del Jardín Botánico. O para adorar a la diosa guerrera y protectora de las artes, Minerva, en la terraza del Círculo de Bellas Artes. O inspirarse contemplando (y tocando) la escultura Sirena varada, de Chillida, en el Museo al aire libre en la Castellana. O si no, simplemente, empapándose de diseño teórico y práctico en Matadero y después contemplar sosegadamente Madrid desde la terraza de la Casa Encendida. Cinco arquitectos y diseñadores -Luis Úrculo, Pedro Feduchi, Helena Rohner, Óscar Mariné y Belinda Tato- han elegido cinco lugares para celebrar, hoy, el Día Mundial del Diseño.
Los cinco arquitectos y diseñadores explican por qué han elegido esos espacios ocultos y mágicos de Madrid.
- Pedro Feduchi, arquitecto: la estatua Minerva. “La diosa guerrera y malhumorada, la protectora de la sabiduría y de las artes, no lleva muchos años en el cielo de Madrid. A pesar de que parece que hubiera estado ahí desde mucho antes, se colocó a mediados de los sesenta. Algo que concuerda bien con esta ciudad de cielos altos y con vocación puntiaguda, donde el diseño no se encuentra aún entre sus tópicos actuales. Ecléctica y desprejuiciada, quizás las mejores cualidades de Madrid, es también olvidadiza y desmemoriada. Por eso, la diosa debe recordar que en los años treinta Madrid era ciudad moderna y a diario se encendían nuevos luminosos y se colocaban grandes letreros en sus escaparates. Desaparecieron como casi todo lo que olía a modernidad. Adiós a la palmera de Casablanca, al camello del Carrión, a las modernas tipografías de palo del café Negresco, de la tienda de Discos Rekord o del Teatro Cine Fígaro. Hoy tenemos que pedirle a Minerva que en su Día Internacional vele por que el diseño recupere lo que antaño fue para Madrid”.
- Luis Úrculo, arquitecto: estufa fría del Jardín Botánico. “Es un lugar poco conocido, escondido, y de los pocos que conserva el tiempo. Madrid se está deshaciendo poco a poco y este lugar es como si la mantuviera. Remite a Perec, que en su libroEspecies de espacios habla sobre cómo en las ciudades va desapareciendo el tiempo. Es un material invisible con el que trabajar que valoro mucho. Los diseñadores siempre quieren construir más que conservar. El mío es un planteamiento nostálgico del diseño, me siento más cómodo en lugares que tienen detrás una historia, una herencia de alguien anónimo. Y este lugar ofrece además la oportunidad de estar solo, como en un jardín privado, y eso es muy difícil en Madrid”.
- Helena Rohner, diseñadora: escultura ‘Sirena varada‘. “Mis obras pesan apenas unos gramos. Pero mi lugar de inspiración es frente a esa masa de más de 6.000 kilos. Me encanta la rotundidad de su peso rugoso de hormigón, con las marcas del encofrado. Pero casi me gusta más lo que no hay, el vacío que Chillida ha dejado dentro, su juego de aire, su delicadeza casi de porcelana. Ahora le llaman la Sirena varada (creo que el vasco genial la llamó Lugar de Encuentros III). Para mí es mágica la sensación de esa mole flotando. Y también es mágico el lugar donde está, ese Museo al aire libre bajo el puente de Juan Bravo, una isla de silencio detenido dentro del ruido y las prisas de la Castellana. La sirena vive junto a joyas de Miró, de Julio González, de Martín Chirino, de Miralles. Vecinos maravillosos. Un secreto: si ponéis la mano sobre ella, como hago cada vez que paso cerca, veréis que el hormigón vibra, no sé si por el tráfico sobre el puente o porque la belleza siempre tiene dentro, latiendo, un corazón”.
- Óscar Mariné, diseñador: Matadero. “Aunque la gran apuesta del Ayuntamiento ha sido el teatro, y con gran éxito por cierto, Matadero podría ser la gran sede del diseño español. Madrid, que ya ha brillado en el mundo como capital creativa, podría convertirse en capital del diseño europeo como hizo en su momento Milán. Es un sueño, pero el diseño podría convertirse en motor de la recuperación económica, siempre que las grandes empresas españolas y la industria se lo crean y consuman diseño. Con su central del diseño, Matadero ya ha puesto la primera piedra, una apuesta por el Made in Spain”.
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- Belinda Tato,arquitecta: terraza de la Casa Encendida. “Es un espacio público que ofrece una mirada sosegada de Madrid, lejos del estrés y el ruido de la ronda de Valencia. Es interesante que los edificios ofrezcan sorpresas así: por ejemplo, la terraza-restaurante de la Universidad UNED en Lavapiés, a la que se accede a través del propio edificio docente o la Casa de Granada, centro social y restaurante en la última planta del número 17 de la calle del Doctor Cortezo. Edificios mixtos que albergan viviendas, oficinas, sala de exposiciones o un club de jazz hacen más estimulantes las ciudades y favorecen los contactos y redes creativas entre los ciudadanos. Cuantas más sorpresas ocurren en una ciudad, más estimulante resulta vivir y trabajar en ella”
Hoxe as 19:00 h. na Casa das Campás terá lugar a primeira charla das programadas dentro dos Xoves de Moda, promovidos polo ESDEMGA, e a cargo, nesta ocasión do periodista especializado en moda Abraham de Amézaga.
Colaborou con revistas como Elle, Woman, Época, Magazine da Vanguardia, Gala…É autor de textos incluidos nos libros como “Balenciaga, de París a San Sebastián” ou “Carta de amor a Cristóbal Balenciaga” editados con motivo das exposicións sobre o creador en San Sebastián(Kursaal, Sala Kubo) e Valencia ( IVAM) respectivamente.
É corresponsal para Europa das edicións latinoamericana e mexicana de VOGUE e escribe para EL MUNDO , Yo Dona e Glamour entre outras publicacións españolas.
La Voz de Galicia - Pontevedra